Hanji House© Alice Clancy

Diseñada por Stefano Boeri Architetti, Hanji House es un pabellón temporal creado para la exposición Chun Kwang Young: Times Reimagined en el Palazzo Contarini Polignac, Venecia. La pieza dialoga con el arte del reconocido artista coreano a través de un concepto arquitectónico que transforma la tradición en experiencia espacial.

El término hanji hace referencia al papel de morera, conocido como el “papel de los mil años” por su durabilidad. Es la materia prima con la que Chun Kwang Young ha trabajado durante tres décadas, transformándola en relieves y esculturas que evocan criaturas orgánicas, memorias culturales y paisajes simbólicos.

En los jardines del Palazzo, frente al Gran Canal, el pabellón se erige como una linterna contemporánea. Su geometría —un paralelepípedo coronado por cuatro pirámides— remite tanto al arte de doblar papel en Asia Oriental como al modularidad de la arquitectura vernácula coreana. La piel translúcida dota al volumen de un carácter lúdico y, al mismo tiempo, meditativo, funcionando como faro en el contexto renacentista que lo acoge.

El interior amplifica la experiencia: una instalación interactiva desarrollada por el artista multimedia Calvin J. Lee recrea digitalmente los paquetes triangulares de hanji característicos de Chun, envolviendo al visitante en un entorno inmersivo.

La nueva tienda de Apple en la Piazza Liberty, diseñada por Foster + Partners, redefine el concepto de retail urbano y revitaliza un espacio icónico en el corazón de Milán. Esta tienda va más allá de ser un simple punto de venta, integrándose perfectamente en la vida y arquitectura milanesa.

Situada junto a la bulliciosa Corso Vittorio Emanuele, una de las calles comerciales más transitadas de Milán, la Piazza Liberty es ahora un espacio que combina historia, modernidad y funcionalidad, atrayendo tanto a residentes como a turistas.

La entrada principal de la tienda es un portal único que combina una cascada de agua, que transforma el acceso en una experiencia multisensorial. Este elemento dinámico evoca la fuerza y fluidez del icónico diseño de Apple.

Escaleras de vidrio que conducen al nivel subterráneo, donde se encuentra la tienda, creando una transición suave y elegante entre el espacio público y privado.

Este efecto, apodado como el “Niágara de Milán”, se convierte en el corazón del diseño, uniendo arquitectura, agua y tecnología en perfecta armonía.

La nueva Apple Piazza Liberty no solo redefine la tienda comercial, sino que también consolida a Milán como un centro de diseño y tecnología, mientras brinda a sus visitantes una experiencia arquitectónica y sensorial única.

‘Eden’ es una instalación que difumina los límites entre las maravillas creadas por el hombre y la belleza de la naturaleza, celebrando los elementos naturales en un paisaje que remite al mítico ‘Jardín del Edén’.

Este proyecto invita a cambiar nuestra forma de ver la naturaleza al magnificar sus detalles sutiles a través de estructuras orgánicas, transportando a los visitantes a un mundo diferente a todo lo conocido.

Arquitectura orgánica y belleza natural

Un paisaje completamente blanco da la bienvenida, permitiendo que los sentidos se deleiten con un ambiente tranquilo y sereno, similar a estar en los terrenos de un templo mítico.

El blanco puro resalta las texturas mágicas del lugar, haciendo que cada rincón del espacio cuente su propia historia. En ‘Eden’, los elementos individuales se fusionan para formar una estructura en crecimiento donde el todo es mayor que la suma de sus partes. El diseño del jardín presenta ‘enredaderas’ colgantes que se ciernen sobre arcos.

Un mundo blanco y mágico

Estas enredaderas convergen vertical y horizontalmente para formar áreas de estar que parecen haber crecido orgánicamente a partir de raíces de árboles antiguos.

   © ohsinstudio.com/eden

La delicadeza de las esferas de vidrio que se posan en la cúspide de las vides colgantes recuerda a las gotas de agua que se balancean en el borde de las hojas después de una lluvia, añadiendo un toque poético al entorno.

Sumérgete en la instalación que te transporta a otro plano

La instalación logra un espacio similar a una catedral gracias a las diferentes alturas que proyectan un intrincado juego de sombras sobre sus alrededores.

© ohsinstudio.com/eden

Este efecto, que añade profundidad y dimensión al espacio, también crea una atmósfera de reverencia y asombro. ‘Eden’ invita a los visitantes a suspender momentáneamente sus creencias y redescubrir el placer de observar de cerca, donde cuanto más se mira, más detalles se descubren.

Enredaderas, esferas y sombras

La atención al detalle y el diseño orgánico invitan a una exploración pausada y reflexiva, ofreciendo enseñanzas sobre la importancia de la contemplación, el redescubrimiento de la belleza en lo cotidiano y que la naturaleza, en su forma más pura, puede ser una fuente inagotable de inspiración y asombro.

Los elementos que crean la magia de Eden

Proceso de descubrimiento constante evoca la curiosidad y la maravilla de la infancia, permitiendo que, aunque sea por un momento, los visitantes crean que están realmente en el paraíso.

Lo que hace único a ‘Eden’ es su capacidad para crear una experiencia sensorial completa, donde la arquitectura y el paisaje se entrelazan.

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Laura K. Reeder se destaca con una propuesta que combina lo efímero con lo monumental, lo íntimo con lo colectivo. Profesora de Arte, Políticas y Defensa de la Educación Artística en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Boston, Reeder explora las relaciones intrincadas entre personas y entornos a través de su arte.

Su enfoque innovador transforma el acto cotidiano de caminar en una experiencia artística profunda y envolvente.

© Laura K. Reeder

Un laberinto de pasos en tiempos de confinamiento

Durante la primavera de 2020, en medio del confinamiento global y el distanciamiento social, Reeder dio vida a una serie de obras titulada “Cultivadores”.

Estos no son simples dibujos, sino creaciones laberínticas a gran escala talladas en la tierra, que surgen de sus pasos. Cada movimiento, cada vuelta y cada giro reflejan una peregrinación moderna, un viaje íntimo transformado en arte.

© Laura K. Reeder

Inspirada por el Camino Primitivo, una ruta histórica de peregrinación, Reeder traduce la sensación de la pérdida y el anhelo en su obra. Este camino, que simboliza la búsqueda de conexión y espiritualidad, se perdió temporalmente para la muchos debido a las restricciones de la pandemia.

Una peregrinación contemporánea

Sin embargo, en los “Cultivadores” de Reeder, este viaje se renueva, ofreciendo a los observadores y participantes una manera de conectar con el espacio y el movimiento de una manera segura y reflexiva.

El impacto de los “Cultivadores” radica en su capacidad para documentar y crear simultáneamente. Cada trazo es un vestigio de la caminata de Reeder y una invitación para que otros sigan sus pasos, física o mentalmente.

© Laura K. Reeder

La obra de Laura K. Reeder

Estos dibujos efímeros se convierten en espacios dinámicos, transformando el suelo bajo nuestros pies en un lienzo que narra historias de movimiento, aislamiento y reencuentro.

El arte como herramienta para la reflexión

La propuesta artística de Laura K. Reeder ofrece enseñanzas valiosas en un mundo post-pandemia. Al utilizar sus propios pasos como brocha, Reeder muestra cómo el arte puede surgir de lo cotidiano y cómo las limitaciones pueden convertirse en una fuente de creatividad y reflexión.

El impacto de los “Cultivadores” en el arte contemporáneo

En última instancia, su obra nos recuerda la importancia de mantenernos en movimiento, de buscar conexiones y de encontrar belleza incluso en los momentos más inciertos.

El trabajo de Reeder es una contribución significativa al arte contemporáneo, siendo una herramienta pedagógica y una fuente de inspiración.

Nos invita a considerar nuestras propias caminatas, nuestros propios pasos, como parte de un lienzo más grande y dinámico, lleno de posibilidades y significados.

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La innovación no siempre se trata de lo que perdura, sino de lo que puede transformar nuestra percepción. Este es el espíritu detrás de la obra del arquitecto Marco Canevacci.

© Jardín Parlante

Espacios uterinos, la arquitectura efímera de Marco Canevacci

Su arquitectura efímera se destaca por su creatividad y funcionalidad, además de su gran capacidad de transformar la experiencia urbana a través de estructuras inflables, creando lo que ellos denominan “espacios uterinos”.

Esta innovadora idea surgió de una necesidad práctica. Canevacci, recién graduado de arquitectura técnica en Berlín, se enfrentaba al desafío de calentar un espacio de 2,000 metros cuadrados sin agotar sus escasos ahorros.

Cómo una burbuja salvó a un arquitecto y nació un movimiento

La solución fue ingeniosa y simple. Crear una burbuja inflada con aire caliente dentro, reduciendo drásticamente el espacio a calentar y proporcionando un refugio efectivo contra el frío berlinés.

Esta solución no solo funcionó, sino que también marcó el nacimiento de una metodología que Canevacci y su equipo han perfeccionado, interviniendo en ciudades como Berlín, París y Barcelona.

Las estructuras de Plastique Fantastique plantean los conceptos de lo público y lo privado en el espacio urbano. Según Canevacci, las experiencias efímeras añaden un valor único a la percepción de la arquitectura, permitiendo a las personas apreciar su entorno de manera diferente y más detallada.

La magia de la arquitectura inflable en las ciudades europeas

En 2016, Canevacci llevó su visión a la sede del IED Madrid, donde dirigió un taller que culminó con la instalación de varios inflables en el patio interior y junto a la entrada del Palacio de Altamira.

Los estudiantes de la escuela de diseño tuvieron libertad de crear sus propios diseños, aprendiendo a trabajar con polietileno, el material preferido de Canevacci por su versatilidad y simplicidad.

Arquitectura sostenible y efímera

Estos “espacios uterinos” sirvieron como medio de exhibición para los diseños de los estudiantes y proporcionaron un refugio contra la lluvia durante la fiesta de clausura del taller.

Las estructuras tienden a formas circulares, una elección estética y práctica que crea una fascinante interacción entre lo efímero y la rudeza de la arquitectura permanente. Los materiales utilizados en las estructuras son reutilizados tantas veces como sea posible.

Cuando ya no pueden mantener sus cualidades, son reciclados en el centro de reciclaje del colectivo en Berlín.

El trabajo de Marco Canevacci y Plastique Fantastique ofrece valiosas lecciones sobre la adaptabilidad, la sostenibilidad y la capacidad de transformar el entorno urbano a través de experiencias temporales.

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En un espacio vibrante de amarillo y naranja, The Exchange TRX en Malasia presenta “Embrace the Unknown”, una obra de arte pública inspirada en la última película animada de Disney, “Intensa Mente 2”.

Esta instalación, creada por la talentosa artista malaya Pamela Tan de Poh Sin Studios, invita a padres e hijos a sumergirse en un entorno intrincado y lúdico que captura la esencia de los personajes Alegría y Ansiedad.

Una Instalación de Arte Vibrante en Malasia

Además, fue diseñada para parecerse a una nube, la estructura central de “Embrace the Unknown” se caracteriza por los distintivos rayos en forma de árbol, que emergen desde el centro y se conectan mediante cuerdas amarillas y naranjas.

Estos elementos llenan el lugar de color y dinamismo, fomentando la interacción, ya que cada pilar incluye bolas antiestrés, animando a las familias y a los niños a jugar y explorar el espacio.

Una estructura en forma de nube invita al juego y la exploración

Para la creadora, trabajar con Disney fue un sueño hecho realidad, especialmente porque “Intensa Mente” es una de sus películas favoritas de Pixar.

Al diseñar un entorno que fomenta la exploración y la interacción física, su objetivo era evocar esa sensación de asombro y alegría que a menudo se asocia con la infancia.

Una Colaboración con Disney Inspirada en “Intensamente 2”

La colaboración con Disney se centró en los personajes principales de la secuela, Alegría y Ansiedad, quienes simbolizan fuerzas contrastantes dentro de todos nosotros.

La construcción de la instalación comenzó a mediados de enero y requirió cinco meses de trabajo intenso con ingenieros, fabricantes de metales y trabajadores a tiempo parcial para asegurar que la estructura fuera segura y fiel a su visión artística.

Detalles y desafíos

Donde, el mayor desafío fue cumplir con el cronograma y garantizar la edificabilidad, también asegurándose de que todos los detalles se tradujeran adecuadamente en la forma estructural.

Desde su apertura el 24 de mayo, “Embrace the Unknown” se ha convertido en un imán para los niños, quienes disfrutan corriendo, saltando y explorando la estructura que ofrece una experiencia sensorial completa.

Dando vida a la alegría y la ansiedad a través del arte

La atmósfera caprichosa y envolvente del lugar transporta a los visitantes a un mundo de descubrimiento y alegría.

La instalación de Pamela Tan es un testimonio del poder del arte para transformar espacios públicos y crear experiencias memorables donde tanto niños como adultos pueden reconectarse con su niño interior, evocando emociones y fomentando la interacción comunitaria.

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En el pueblo costero de Cihuatlán, Jalisco, las plantaciones de plátano ofrecen una imagen inusual: racimos cubiertos con plástico azul de baja densidad, un método empleado para proteger los frutos del frío.

El arte transformador de Norberto Miranda

Este peculiar paisaje ha inspirado al artista Norberto Miranda para crear “Banana Blue”, un proyecto que transforma el desecho en arte, en la búsqueda de resignificar este material común y frecuentemente malinterpretado.

© Bolsón

Miranda ha desarrollado una técnica donde utiliza este material de desecho para crear piezas de arte y objetos utilitarios que son muy poco usuales por su origen, estética y funcionalidad.

    © Bolsón

Su obra, que incluye desde muebles hasta instalaciones artísticas, embellece los espacios mientras plantea preguntas profundas sobre la sostenibilidad y el consumo responsable.

Semana del Arte de la Ciudad de México

La exposición “Banana Blue”, presentada en la Semana del Arte de la Ciudad de México, se convierte en una crónica visual de este diálogo entre la naturaleza y el arte.

© Bolsón

En ella, Miranda no solo exhibe sus obras, sino que también ofrece a los visitantes la oportunidad de experimentar la sensación de ser una banana dentro de una burbuja gigante hecha del mismo plástico azul.

Esta inmersión crea una conexión directa entre el espectador y el objeto, donde la iluminación juega un papel importante, dándonos la oportunidad de apreciar la baja densidad del plástico y la textura de las uniones.

El escenario de la instalación artística de Norberto Miranda

La instalación se llevó a cabo en Mooni, una galería de arte y tienda boutique ubicada en el barrio Condesa de la Ciudad de México. Aquí, Miranda utilizó plástico recogido tanto de la plantación de Jalisco como de residuos urbanos locales, procesándolo con una pistola de calor y presión para darle su nueva forma.

La creación artística  a partir de plástico reciclado

“Bolsón”, el nombre bajo el cual Miranda presenta sus creaciones, es un testimonio de la posibilidad de convertir el reciclaje en una práctica artística inmersiva.

Una reflexión crítica sobre la sostenibilidad

Con “Banana Blue”, Miranda va más allá de demostrar la belleza oculta en los residuos, para fomentar una reflexión crítica sobre nuestro impacto en el planeta.

Invita a los espectadores a reconsiderar no sólo qué consumimos, sino cómo interactuamos con los materiales en nuestro día a día, sugiriendo que quizás el problema no sea el plástico en sí, sino cómo lo usamos y lo descartamos para unirse a los millones de residuos generados diariamente.

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Coachella abrió sus puertas y como cada año, además de su line up de conciertos; también nos sorprende con instalaciones artísticas a gran escala curadas por la Public Art Company en colaboración con Paul Clemente.

Este año los terrenos del festival han sido reinventados con tres obras que desafían las normas convencionales y experimentan con nuevas tecnologías y expresiones artísticas.

© Lance Gerber

Estas intervenciones temporales son una invitación a la exploración, conexión y contemplación lúdica, mejorando la experiencia de los asistentes al festiva.

  © Lance Gerber

Monarchs: Una casa en seis Partes, de HANNAH, explora la fusión de la impresión 3D con la artesanía tradicional, presentando una serie de pabellones con los que los asistentes pueden interactuar.

© Lance Gerber

Esta instalación inspirada en la naturaleza, fue fabricada con la unión de distintas piezas pequeñas que posteriormente fueron ensambladas. Es el resultado de una colaboración entre los profesores de la Universidad de Cornell, Leslie Lok y Sasa Zivkovic.

© Lance Gerber

Celebración de la alegría colectiva

Dancing in the Sky: Esta instalación de Morag Myerscough, celebra la alegría de la experiencia colectiva con una plaza llena de colores vibrantes y distintas figuras geométricas.

© Lance Gerber

Al observarla desde lejos, los colores resaltan en el fondo de color azul formado por el cielo desértico. Conocida por sus obras audaces y coloridas, Myerscough ha creado un espacio que te invita a la exploración, haciéndote parte de la obra misma.

Un refugio de luz y sombra

Babylon: En esta obra se utilizan formas simples y robustas con distintas técnicas de iluminación que cambian su personalidad a lo largo del día.

© Lance Gerber

Obra de los arquitectos londinenses Brando Posocco y Madhav Kidao, Babylon es una estructura monumental que sirve tanto como punto de referencia visual como santuario de sombra y luz, invitando a los asistentes a perderse en su intrincada belleza desde donde se desee.

© Lance Gerber

El poder del arte y la arquitectura

Las instalaciones de Coachella 2024 demuestran una vez más el poder del arte y la arquitectura para transformar espacios y crear experiencias inolvidables.

© Lance Gerber

Con su enfoque en la experimentación y la colaboración interdisciplinaria, el festival continúa siendo un referente de creatividad e innovación en el mundo del entretenimiento y la cultura contemporánea

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En la ciudad de Changhua en Taiwán, surge una estructura singular que fusiona la innovación arquitectónica con la belleza natural de los campos agrícolas circundantes. El Pabellón Flourish, diseñado por Studio A-Light, es una obra maestra que celebra la vitalidad de la naturaleza a través de una combinación única de materiales, formas y patrones.

© Fixer Photographic Studio

Materiales agrícolas y experiencias sensoriales: Un oasis de flores en floración

Inspirado en los invernaderos agrícolas típicos de Changhua, esta estructura resalta como un pequeño oasis para reflexionar sobre el crecimiento y la belleza en medio del paisaje urbano.

  © Fixer Photographic Studio

Esta estructura utiliza materiales agrícolas como el bambú y la malla agrícola para transmitir la exuberancia y vitalidad de las flores en floración.

© Fixer Photographic Studio

Un símbolo de inspiración, El Pabellón Flourish atrae visitantes de todo el mundo

En el interior del pabellón, los visitantes son recibidos por una experiencia sensorial única. Grandes islas florales flotantes, sistemas de riego por nebulización y música electrónica, crean una atmósfera envolvente que evoca la sensación de un día de primavera en plena floración. Durante la noche, la iluminación agrega un toque de creatividad y magia al espacio.

© Fixer Photographic Studio

Cúpula de bambú: Un ejemplo de ingeniería y diseño sostenible

La cúpula del Pabellón Flourish es una hazaña de ingeniería y diseño, construida principalmente con tubos de bambú tratados térmicamente y juntas metálicas. Estas estructuras sostienen una cúpula colosal que abarca 415 metros cuadrados, demostrando el potencial del bambú como material de construcción sostenible, versátil y muy resistente.

© Fixer Photographic Studio

La meticulosa instalación de la estructura, capa por capa, refleja el compromiso de Studio A-Light con la precisión y la excelencia en la construcción.

El Pabellón Flourish un tributo a la naturaleza y la belleza

El Pabellón Flourish es más que una estructura arquitectónica; es un tributo a la belleza y vitalidad de la naturaleza. Al fusionar la innovación con la tradición y la creatividad con la funcionalidad, Studio A-Light ha creado un espacio que invita a los visitantes a reconectarse con el entorno natural y a celebrar la belleza que nos rodea.

© Fixer Photographic Studio

Desde su inauguración en 2024, el Pabellón Flourish atrae a visitantes de todas partes con su belleza y encanto únicos. Es un recordatorio inspirador de la capacidad del diseño arquitectónico para elevar el espíritu humano y enriquecer nuestras vidas con la belleza de la naturaleza.

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Pabellón Flourish / Studio A-Light
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— Césarq 👷 (@cesarqbucio) March 1, 2024

 

 

 

 

 

 

Arte en movimiento En esta ocasión, viajaremos a Atlanta, en donde en medio de su paisaje formado por edificios se decidió realizar la instalación “Murmuration”.

Esta nos invita a contemplar el movimiento y a hacer una pequeña pausa en nuestra ajetreada tarde para unos minutos de contemplación, de interacción e incluso, de descanso.

© Fredrik Bauer

Naturaleza en la ciudad  Murmuration transforma el paisaje de Atlanta

Murmuration toma su nombre de los enjambres sincronizados de aves que vuelan en el aire, formando patrones impresionantes. De manera similar, esta instalación capta la esencia de la naturaleza y la transfiere al ámbito urbano.

Es como si el cielo mismo estuviera jugando con luces y sombras, revelando una arquitectura etérea que desafía las expectativas.

© Fredrik Bauer

Una experiencia interactiva

En el año 2020 Murmuration fue una instalación temporal de forma que representaba este mismo movimiento de las aves fusionado con la forma de los árboles más comunes de Atlanta, que de alguna forma daban sombras cambiantes. Incluso contenía zonas con alimento para aves.

© Fredrik Bauer

Arte con conciencia ambiental

Pero esta obra no fue únicamente hecha para ser observada, fue para ser experimentada. La instalación se transforma con cada cambio en la dirección del viento, creando una experiencia interactiva donde el público se convierte en parte integral de la danza luminosa.

Es como estar inmerso en un cuadro que cobra vida, mientras se invita a las personas a iniciar conversaciones sobre cuidado ambiental, reforestación y cuidado de las especies.

La instalación deja un eco en la memoria de quienes la experimentan, recordándoles que la arquitectura no siempre está limitada al concreto y al acero, sino que puede elevarse hacia el cielo y desaparecer con la misma gracia con la que apareció.

© Fredrik Bauer

La travesía de Murmuration, una obra migratoria que cautiva a su paso

Un aspecto fascinante de esta creación es que se fabricó íntegramente en México antes de su traslado a Atlanta. La obra está concebida para ser desmontada y reensamblada en cualquier lugar deseado, reflejando la intención de que, al igual que las aves que sirvieron de inspiración principal, “Murmuration” pueda trazar su propio camino migratorio, cautivando distintas ciudades con su forma única y su vibrante color turquesa.

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