Ritual empezó mucho antes de tener un nombre. Cuando mi esposo y yo hicimos nuestra casa, cada decisión partió de una pregunta sencilla: “¿cómo queremos sentirnos aquí?” Durante la pandemia esa pregunta cobró más sentido. Pasábamos el tiempo en el jardín, llenando la casa de plantas y haciendo más bonito el espacio que nos rodeaba. Después, al atravesar de cerca un cáncer, entendimos aún más el valor de la calma, la naturaleza, la familia, los amigos y los pequeños momentos.

Soy Marcia Medinachaix, fundadora de Ritual, y siempre he sentido una conexión con los espacios, la estética y aquello que hace que una casa se sienta como refugio. No creo que una casa se transforme solamente con muebles. A veces una planta, una pieza de barro o una obra que te emociona cambia por completo la manera en que sientes un rincón.

Las macetas fueron el punto de partida de Ritual y siguen siendo la parte medular de lo que hacemos. Trabajamos piezas de barro hechas por alfareros que han aprendido el oficio de sus padres y abuelos. Me conmueve pensar en lo que hay detrás de cada una: las manos, el tiempo, el secado, el horneado, todo el ritual que envuelve una sola pieza.

Con el tiempo entendí que Ritual no quería quedarse solamente en los objetos. Quería reunir aquello que hace agradable vivir una casa. Así nació Casa Ritual, un lugar donde esas ideas se hicieron realidad. Hoy compartimos el espacio con la artista Jess M. Chaix. Su pintura suma otra forma de ritual: crear, expresar y transformar lo que llevamos dentro en arte.

Casa Ritual busca ir más allá de vender objetos.

“Queremos que alguien entre, recorra los espacios y piense: yo quiero vivir así”.

Ritual seguirá creciendo: artistas, talleres, encuentros y vida en calma.

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No importa si tomas un café en Dubai, Paris o CDMX, en general, todas las cafeterías se parecen. Por eso, estoy convencida que en el interiorismo debemos recuperar el protagonismo de sus habitantes. Diseñar para y con las personas en lugar de para un estilo o tendencia de interiorismo.

Por eso, al diseñar el apartamento PB partimos de una premisa sencilla: sería un proyecto que no acabaría; se le agregarían y quitarían elementos conforme evolucionara la historia de los habitantes.

En la sala se colocó un sofá estándar, cómodo y neutro, pero para darle esta personalidad de la que hablamos usamos un tapete que llevaba muchos años con la familia. La mesa es una puerta recuperada que tiene manchas y hoyos, pero es única. La silla de piel estaba en casa de la abuela desde los años 50.

En el comedor pasó algo similar, se colocó una mesa en tendencia, pero agregamos unas sillas encontradas en un bazar que retapizamos. Las lámparas son una artesanía de cobre y el mueble de fondo tomó mucho más tiempo encontrarlo, pero es importado de la India y no hay otro igual.

Todos los otros espacios de PB están llenos con muebles y accesorios que se encontraron en bazares, viajes o fueron heredados.

No se trata de gastar más o de seguir la última moda. Se trata de pensar en quiénes van a vivir el espacio y qué han vivido para llegar ahí. Nuestro hogar es una extensión de nuestra personalidad y de nuestra identidad. Debemos retomar eso para recuperar la personalidad que se está perdiendo en el diseño.

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En PUR.PUR.A entendemos el diseño como una forma de mirar el mundo: curiosa, irreverente y profundamente humana. Cada proyecto comienza en la escala más íntima del espacio: el mueble. Una silla, una mesa o una luminaria son pequeños territorios donde el cuerpo, la materia y la imaginación se encuentran.

Desde ahí, la visión se expande. El mobiliario define gestos; los gestos construyen atmósferas, y estas dan identidad a una habitación, una casa o un proyecto arquitectónico. Para nosotros, diseñar de lo pequeño a lo grande permite que cada espacio conserve intención, coherencia y una relación cercana con quienes lo habitan.

Nos interesa crear arte que se habita: espacios que se contemplan, se tocan, se recorren y se integran a la vida cotidiana. Nuestra práctica mezcla diseño de interiores, arquitectura, mobiliario y expresión artística, haciendo dialogar disciplinas.

También creemos que el diseño puede tener sentido del humor. Nos atrae lo funky, lo inesperado y lo medio chistosón: una forma sorprendente, un color que irrumpe, una textura que provoca tocarla o un detalle que cambia por completo la lectura del espacio. Esa dosis de disrupción es estética y también una herramienta para despertar emociones, generar conversación y crear memoria.

Nuestra visión busca transformar lo cotidiano en una experiencia sublime, pero también cool, lúdica y auténtica. Diseñamos con personalidad, integrando funcionalidad, sensibilidad y oficio. Porque habitar puede ser jugar, descubrir y reconocerse. Cuando el diseño tiene algo que decir, cada mueble inicia una historia y cada espacio puede convertirse en una obra viva: una que acompaña, divierte y cambia con el tiempo.

Somos arquitectura, ingeniería, interiorismo, mobiliario, diseño de objetos y fabricación en un mismo proceso creativo. Sumamos miradas y oficios para ampliar ideas, desde la escala del mueble hasta el espacio. Creamos piezas y ambientes con carácter: funcionales, inesperados y deliciosamente disruptivos.

EQUIPO:
ARQ. JIMENA FEMAT
ING. HÉCTOR GONZÁLEZ

+ CARPINTEROS+PINTORES+EBANISTAS+TAPICEROS+ ARTESANOS+ARTISTAS

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Fotografiar arquitectura no es documentar un objeto terminado: es negociar, encuadre a encuadre, cómo ese objeto quiere ser leído. En Casa GC, de PLTFRMA, esa negociación se resuelve casi por completo antes de disparar, porque el proyecto piensa en volúmenes puros, planos que se cortan y una paleta que reduce la distracción a lo esencial.

La composición parte de una decisión simple: dejar que el cielo trabaje como espacio negativo. Los encuadres bajos, con la cámara mirando hacia arriba, convierten el azul en un fondo casi absoluto que aísla los volúmenes verdes y permite que sus aristas se lean como trazos de dibujo. No es solo estética: subraya la geometría que el arquitecto propuso, sin ruido de contexto urbano.

La luz rasante hace el resto. Las sombras duras que cruzan los muros no ocultan el volumen, lo explican: separan un plano de otro, sugieren profundidad donde en realidad hay superficies planas, y convierten cada esquina en un punto de tensión compositiva. El contraste entre el estuco liso, teñido de verde, y la textura porosa de la piedra añade una segunda capa de lectura, más táctil, que ancla la abstracción geométrica a la materialidad real del proyecto.

Cuando la cámara se acerca a los vanos y deja entrar el interior —una mesa, una silueta, una cocina iluminada tras el vidrio—, la composición cambia de registro: de la arquitectura como escultura a la arquitectura como casa habitada. Ese salto, bien dosificado, es lo que distingue una fotografía técnicamente correcta de una que comunica.

Documentar así exige tiempo, criterio y una revisión constante del proyecto original: solo entendiendo el partido arquitectónico se puede decidir qué encuadre lo defiende mejor. La composición, entonces, no decora la arquitectura: la interpreta y la posiciona.

Colaboración editorial de Héctor Hernández V. fotógrafo de arquitectura.

PROYECTO SELECCIONADO

CASA GC

PLTFRMA

Querétaro, Qro.

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Somos DOMO Central de Diseño, una tienda-galería situada en el Centro Histórico de Querétaro dedicada a exhibir el trabajo y las piezas de diseñadores, artistas y artesanos mexicanos provenientes de distintos estados de la República.

Similar a una galería de arte, DOMO funciona por temporadas, cada una con una duración aproximada de cuatro o cinco meses. Desde nuestra inauguración en noviembre de 2024, hemos presentado cuatro temporadas y nos preparamos para inaugurar la quinta a principios de agosto de 2026. Este formato permite que el público descubra constantemente nuevas propuestas del diseño hecho en México.

Como proyecto, buscamos funcionar como una plataforma de visibilidad para el talento nacional. Por ello, concebimos el espacio como un lugar de difusión que va más allá de las piezas exhibidas. Con el propósito de impulsar a los expositores, organizamos pláticas y talleres donde comparten su proceso creativo, conocimientos, estilo y experiencias, convirtiendo a DOMO en un punto de encuentro para el intercambio de ideas y conexiones creativas.

La galería nace a partir del estudio R. Gaitán, dirigido por el arquitecto Roberto Gaitán, quien considera que la cultura y la estética mexicana poseen un enorme potencial tanto en el ámbito tradicional como en el contemporáneo. A través de la curaduría de DOMO, también expresa su visión del diseño y los principios que distinguen a su estudio.

Junto con su equipo, Gaitán realiza un cuidadoso proceso de selección, privilegiando piezas elaboradas con materiales y técnicas regionales de alta calidad. Asimismo, considera indispensable que todo el proceso de producción se lleve a cabo de manera ética e íntegra.

En DOMO reconocemos que aún persisten prácticas injustas hacia la mano de obra artesanal, una realidad que no estamos dispuestos a normalizar. Buscamos que todas las personas involucradas en la creación de cada pieza reciban el reconocimiento que merecen, porque esa convicción representa una parte esencial de la razón de ser del proyecto.

A casi dos años de su inauguración, DOMO ha exhibido más de 300 piezas creadas por más de 55 expositores, provenientes de 17 estados de la República Mexicana, reunidas bajo un mismo techo en 5 de Mayo No. 112, en el Centro Histórico de Querétaro. Un proyecto que demuestra que el diseño mexicano posee una enorme riqueza y un público cada vez más interesado en descubrirlo; únicamente hacen falta espacios donde pueda mostrarse y seguir creciendo.

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“Un espacio en blanco nunca representa un vacío. Es el punto de partida desde donde nacen las ideas, una herramienta capaz de transformar la experiencia humana y construir atmósferas cargadas de significado. En el arte abstracto, esemismo vacío se convierte en espacio negativo: un elemento esencial que aporta equilibrio visual, permite el descanso de la mirada y genera contrastes que potencian la presencia de cada obra”.

Bajo esta filosofía creativa, Pepe Iñiguez ha construido una trayectoria profesional que transita de manera natural entre el diseño de espacios y la producción artística. Se define como un artista multidisciplinario cuya práctica se nutre de diversas disciplinas, encontrando en cada una de ellas nuevas formas de interpretar y transformar el entorno.

Egresado de la licenciatura en Diseño Ambiental por la Universidad La Salle, cuenta con más de 16 años de experiencia desarrollando proyectos comerciales y residenciales donde la funcionalidad, la estética y la experiencia del usuario convergen para crear espacios con identidad propia.

Su trayectoria incluye también la restauración de dos recintos históricos en el estado de Guanajuato, proyectos que le permitieron dialogar con la memoria, el patrimonio y la arquitectura desde una perspectiva contemporánea.

Paralelamente a su labor como diseñador, Iñiguez ha consolidado una propuesta artística centrada en el arte abstracto. Su producción, caracterizada principalmente por obras de gran formato, explora un lenguaje visual compuesto por formas, líneas, texturas y campos de color que dialogan entre sí para generar experiencias sensoriales y emocionales.

Una de las particularidades de su trabajo radica en la incorporación de materiales de uso cotidiano, elementos que son resignificados dentro de la obra y adquieren una nueva dimensión estética y conceptual.

La convergencia entre diseño, arquitectura y arte ha definido la esencia de su trabajo. Tanto en un espacio habitable como en un lienzo, Pepe Iñiguez busca construir atmósferas capaces de conectar con las personas, despertando emociones, evocando recuerdos y generando nuevas formas de habitar y contemplar el mundo.

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Las historias que habitan los objetos

Algunos objetos cumplen una función. Otros tienen la capacidad de contar historias. OTOT nace precisamente de esa convicción: que una pieza artesanal puede aportar belleza a un espacio, pero también transmitir el tiempo, la dedicación y el conocimiento de las manos que la crearon.

La historia de OTOT comenzó mucho antes de abrir sus puertas. Desde pequeña, su fundadora recorrió distintos rincones de México junto a su familia, descubriendo pueblos, talleres y mercados donde la artesanía formaba parte de la vida cotidiana. En cada viaje encontraba objetos que hablaban de una región, de una técnica y de una identidad cultural particular. Con el tiempo, esa admiración se transformó en una misión: crear un espacio capaz de acercar el trabajo artesanal mexicano a quienes valoran el diseño y los detalles que dan significado a los interiores.

Hoy, OTOT funciona como un punto de encuentro entre distintas expresiones del oficio mexicano. La tienda reúne piezas provenientes de diversos estados del país, seleccionadas no solo por su estética, sino también por la historia que representan. Los textiles llegan desde Oaxaca; el vidrio soplado es elaborado por artesanos de Hidalgo; las fibras, lámparas y mobiliario provienen de comunidades de Tabasco; mientras que la cerámica de alta temperatura es producida en Guanajuato. Cada objeto es resultado de procesos que requieren paciencia, experiencia y un profundo conocimiento de los materiales.

Detrás de cada pieza existe una cadena de trabajo que rara vez es visible para quien la observa terminada. Hay fibras recolectadas manualmente y preparadas durante días antes de ser tejidas; artesanos que moldean el vidrio mediante técnicas transmitidas por generaciones; ceramistas que pintan y hornean cada objeto cuidadosamente; y artistas que dedican horas a los detalles minuciosos de un alebrije o una obra pictórica. Son procesos que reflejan una forma de crear donde el tiempo sigue siendo un ingrediente fundamental.

Más que vender objetos decorativos, OTOT busca reivindicar el valor de la artesanía mexicana dentro de los espacios contemporáneos. Cada pieza tiene la capacidad de transformar un interior, no solo por su presencia visual, sino por la historia que incorpora al lugar. Cuando una persona integra uno de estos objetos

 Ubicación 

En una época marcada por la inmediatez y el movimiento constante, Interceramic invitó a sus clientes a hacer una pausa. A detenerse por un momento para disfrutar de la música, la convivencia y las experiencias que fortalecen los vínculos más allá del ámbito comercial. Bajo esta premisa nació Ritmo & Luz, una experiencia exclusiva realizada el pasado 16 de junio en Casa de Piedra, en León, Guanajuato.

El evento reunió a invitados especiales y clientes de la marca en una velada diseñada para estimular los sentidos y generar momentos memorables. La experiencia estuvo compuesta por dos etapas cuidadosamente curadas. La primera consistió en un concierto organizado en colaboración con Candlelight, que presentó un emotivo tributo a Juan Gabriel interpretado por un ensamble de cuerdas. Durante aproximadamente una hora, los asistentes disfrutaron de una atmósfera íntima en la que la música y la iluminación se convirtieron en protagonistas.

Al concluir el concierto, la experiencia continuó con una sorpresa preparada para los invitados. En un espacio posterior especialmente acondicionado, un DJ ofreció una sesión en vivo utilizando vinilos, mezclando música mexicana con propuestas contemporáneas, creando así un ambiente de celebración y descubrimiento.
Más que una activación de marca, Ritmo & Luz fue concebido como un gesto de agradecimiento hacia quienes han acompañado a Interceramic a lo largo de su trayectoria.

La velada también sirvió para recordar la historia y solidez de una de las marcas mexicanas más reconocidas en la industria. Con 47 años de presencia en el mercado, Interceramic ha construido su reputación a partir de la calidad de sus productos y de una filosofía centrada en la experiencia de sus clientes.

Con iniciativas como Ritmo & Luz, Interceramic reafirma su compromiso de crear espacios donde el diseño trasciende lo material para convertirse en una experiencia cultural y emocional. Una celebración de los sentidos que demuestra que, a veces, detenerse es la mejor manera de conectar.

Su formación incluye estudios de profesionalización en grabado en el Centro de las Artes de Salamanca, Guanajuato, así como estudios de diseño en la Universidad La Salle Bajío. A lo largo de su carrera, su obra ha trascendido fronteras, formando parte de colecciones particulares en Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Francia y España. En este último país es miembro de la prestigiosa Mini Print Internacional de Cadaqués, donde participa desde 2008 con obra gráfica en una exposición anual que reúne artistas de todo el mundo.

En su más reciente muestra el pasado 4 de junio en la ciudad de León Gto, teniendo como sede Corazón de Pan de la zona centro se presentó, Grunge y Boleros, donde el artista explora el contraste entre dos universos musicales aparentemente opuestos: la delicadeza, precisión y romanticismo del bolero frente a la intensidad, fuerza y visceralidad del grunge. Esta dualidad se convierte en el hilo conductor de una propuesta visual que transita desde el claroscuro académico hasta la abstracción contemporánea.

La exposición presenta una amplia diversidad técnica que incluye óleo, acrílico, graffiti y grabado, acompañada por una paleta cromática que oscila entre colores primarios intensamente saturados y composiciones en blanco y negro, generando atmósferas cargadas de emoción y contraste.

Instagram de Juan Pablo Macías

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 10 de julio en Corazón de Pan, ubicado en Madero #421, Zona Centro de León, Guanajuato.

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Met Home nació de una inquietud que surgió en la práctica diaria del interiorismo y la arquitectura. Después de casi una década desarrollando proyectos, el equipo detrás de la marca identificó una necesidad constante: encontrar piezas mexicanas de alta calidad que pudieran dialogar con propuestas contemporáneas sin perder su esencia.

Así comenzó un proyecto que hoy va mucho más allá de una tienda de decoración. Met Home es una plataforma que conecta diseño, artesanía y producción local para crear una colección de objetos que celebran el talento mexicano desde una mirada actual.

Desde el principio, la intención fue clara: trabajar con artesanos de distintas regiones del país y construir una propuesta cuidadosamente curada, donde cada pieza compartiera un mismo lenguaje visual. Más que ofrecer una gran cantidad de productos, la marca apostó por una selección precisa de materiales, texturas y tonalidades que pudieran convivir de manera armónica en cualquier espacio.

Con el tiempo, esa búsqueda también dio paso al desarrollo de diseños propios. Fuentes, bebederos, luminarios y otros elementos decorativos que forman parte de una colección creada por el propio equipo, piezas que reflejan una visión contemporánea pero profundamente conectada con los procesos artesanales que les dan origen.

La producción se distribuye entre talleres de León y la región del Bajío, así como comunidades artesanales de Jalisco, Michoacán y Oaxaca. Terrazo, terracota, barro y vidrio soplado, así como también fibras naturales y materiales trabajados a mano conforman una oferta que encuentra su riqueza precisamente en la diversidad de sus orígenes.

Actualmente, Met Home cuenta con tres tiendas físicas: dos en León y una en San Miguel de Allende. A tres años de su apertura, la marca continúa creciendo con la convicción de llevar su propuesta a otras ciudades del país, siempre manteniendo el mismo compromiso con la calidad y el diseño.

Esa búsqueda de excelencia también se refleja en los procesos detrás de cada pieza. Las macetas, fuentes y elementos de terracota reciben tratamientos especializados que aumentan su resistencia y durabilidad, permitiendo que puedan integrarse y permanecer con confianza en proyectos residenciales, comerciales y de hospitalidad.

Para Met Home el verdadero valor está en las personas que hacen posible cada objeto y poner a México en lo mas alto. La relación con los artesanos va más allá de la compra de productos; implica conocer sus talleres, entender sus procesos y colaborar de manera cercana para desarrollar nuevas ideas. Es una forma de contribuir a la preservación y evolución de los oficios que forman parte de la identidad cultural de México.

Transformar espacios a través del diseño

Cada pieza de Met Home está pensada para convertirse en algo más que un objeto decorativo. No creemos en llenar espacios, creemos en darles vida. La intención es que aporte carácter, genere atmósferas y transforme la experiencia de habitar un espacio.

Una fuente bebedero aporta la serenidad del agua en movimiento; un luminario redefine la percepción y el ambiente de un espacio; un fogatero crea un punto de encuentro que invita a la conversación, la convivencia y la contemplación; una maceta o un espejo pueden convertirse en el punto focal que otorga personalidad y carácter a un proyecto. Son piezas que trascienden su función para generar atmósferas, crear momentos memorables y despertar emociones.

La versatilidad de la colección permite integrarla tanto en espacios contemporáneos como en proyectos de inspiración mexicana, haciendas o entornos más tradicionales. Por ello, arquitectos, interioristas y paisajistas encuentran en la marca un aliado capaz de desarrollar propuestas personalizadas y piezas únicas para cada proyecto.

Más que vender decoración, Met Home busca acercar a las personas a una forma de diseño donde la calidad, el origen y el trabajo artesanal tienen el mismo valor que la estética. Una propuesta que demuestra que el diseño mexicano puede ser contemporáneo, sofisticado y profundamente auténtico al mismo tiempo.