En PUR.PUR.A entendemos el diseño como una forma de mirar el mundo: curiosa, irreverente y profundamente humana. Cada proyecto comienza en la escala más íntima del espacio: el mueble. Una silla, una mesa o una luminaria son pequeños territorios donde el cuerpo, la materia y la imaginación se encuentran.

Desde ahí, la visión se expande. El mobiliario define gestos; los gestos construyen atmósferas, y estas dan identidad a una habitación, una casa o un proyecto arquitectónico. Para nosotros, diseñar de lo pequeño a lo grande permite que cada espacio conserve intención, coherencia y una relación cercana con quienes lo habitan.

Nos interesa crear arte que se habita: espacios que se contemplan, se tocan, se recorren y se integran a la vida cotidiana. Nuestra práctica mezcla diseño de interiores, arquitectura, mobiliario y expresión artística, haciendo dialogar disciplinas.

También creemos que el diseño puede tener sentido del humor. Nos atrae lo funky, lo inesperado y lo medio chistosón: una forma sorprendente, un color que irrumpe, una textura que provoca tocarla o un detalle que cambia por completo la lectura del espacio. Esa dosis de disrupción es estética y también una herramienta para despertar emociones, generar conversación y crear memoria.

Nuestra visión busca transformar lo cotidiano en una experiencia sublime, pero también cool, lúdica y auténtica. Diseñamos con personalidad, integrando funcionalidad, sensibilidad y oficio. Porque habitar puede ser jugar, descubrir y reconocerse. Cuando el diseño tiene algo que decir, cada mueble inicia una historia y cada espacio puede convertirse en una obra viva: una que acompaña, divierte y cambia con el tiempo.

Somos arquitectura, ingeniería, interiorismo, mobiliario, diseño de objetos y fabricación en un mismo proceso creativo. Sumamos miradas y oficios para ampliar ideas, desde la escala del mueble hasta el espacio. Creamos piezas y ambientes con carácter: funcionales, inesperados y deliciosamente disruptivos.

EQUIPO:
ARQ. JIMENA FEMAT
ING. HÉCTOR GONZÁLEZ

+ CARPINTEROS+PINTORES+EBANISTAS+TAPICEROS+ ARTESANOS+ARTISTAS

Instagram:

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por PUR.PUR.A (@purpura.interiorismo)

La oficina de Taller de Raíz, estudio a cargo de Salvador Hidalgo, despacho de jóvenes arquitectos nace de una manera particular de entender la arquitectura: busca comprender y reinterpretar las raíces de la cultura mexicana, transformándose en proyectos que dialogan entre la tradición y la contemporaneidad. Diseñada y construida por el propio estudio, la obra fue iluminada por Seres de Lux.

Dobles alturas, plantas libres y una relación generosa con el exterior permiten que el espacio se recorra de manera natural. La arquitectura acompaña el flujo de quienes llegan, trabajan, se reúnen y permanecen; un lugar pensado para recibir y generar encuentros. Un espacio vivo, abierto a la colaboración y un espacio, también, en constante transformación.

La luz natural es protagonista. A lo largo del día atraviesa los espacios, cambia de intensidad y transforma la percepción de los materiales. Los árboles que rodean la arquitectura proyectan sombras que se desplazan lentamente sobre muros, pisos y superficies. El espacio parece crecer con ellos.

 
El diseño de iluminación parte de esta relación entre luz, arquitectura y tiempo. La propuesta busca acompañar el ciclo circadiano y la transición natural del día hacia la noche mediante una iluminación cálida y contenida, capaz de modificar gradualmente el ambiente sin romper con la experiencia nocturna.

La calidez de la luz establece un contrapunto con la frialdad y solidez de los materiales, los muros de concreto y muros hechos naturalmente, la luz revela texturas, profundidades e imperfecciones, mientras que los contrastes permiten observar los volúmenes de la arquitectura

En las áreas de convivencia, la iluminación se convierte así en una extensión de la arquitectura: una herramienta para revelar sus materiales, acompañar sus ritmos y transformar la manera en que se percibe a lo largo del día.

En Seres de Lux, creamos ambientes a través de la luz.

Instagram: 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Seres de Lux (@seresdeluxlighting)

Chelem, Yucatán

Enclavado en la costa de Chelem, Yucatán, Molusk nace como un homenaje al mar y a su profunda relación con la identidad de la comunidad. Más que un restaurante, el proyecto propone una experiencia inmersiva en la que arquitectura e interiorismo reinterpretan, desde lo poético, la belleza, fuerza y misterio del océano.

El concepto parte de una paleta de azules profundos y rosas coralinos que evoca los reflejos del agua y la riqueza de la fauna marina. Los materiales refuerzan este vínculo con el territorio: se privilegian insumos locales y el trabajo artesanal yucateco, incorporando pisos de pasta en tonos personalizados que recuerdan las salpicaduras del agua sobre la arena y muros de tabique rugoso que evocan la textura de los arrecifes.

Los plafones se convierten en elementos escultóricos. En el comedor frente al mar y el bar, superficies ondulantes elaboradas con filamentos producidos en Yucatán reinterpretan el movimiento de las corrientes submarinas; mientras que en el salón privado, el tzalam dibuja formas sinuosas inspiradas en las olas.

Una plaza interior articula los distintos espacios y funciona como un remanso contemplativo. En su centro, un espejo de agua recibe una escultura monumental de pulpo, símbolo de Molusk y representación de la inteligencia, adaptabilidad y misterio del mundo marino.

Las luminarias, inspiradas en medusas, erizos y corales, flotan sobre los espacios y acentúan la sensación de estar bajo el agua. El mobiliario, diseñado y fabricado íntegramente en Yucatán, complementa la narrativa con mesas de terrazo cuyos destellos evocan conchas marinas.

Incluso los baños se convierten en pequeñas cápsulas de arte, intervenidas con murales de fauna marina por un artista local.

Molusk busca trascender lo gastronómico para convertirse en una celebración del océano y del territorio: un espacio donde materiales, color, luz y forma construyen un vínculo sensible entre el ser humano y el mar

Fotógrafa: Miklo Cervera

Prothea Dental Studio replantea la experiencia dental a través de una visión inspirada en la hospitalidad.

Alejándose de la estética clínica convencional, el proyecto sustituye la frialdad institucional por una atmósfera cálida, residencial y acogedora.

A través de una cuidada selección de materiales naturales, geometrías suaves e iluminación tenue, el espacio difumina los límites entre salud, bienestar y hogar.

Cada elemento busca generar una sensación de calma y familiaridad, transformando una visita de rutina en una experiencia más humana, cercana y memorable.

Nombre de la obra: Prothea Dental Studio
Año de terminación: 2026
Ubicación: Plaza Xielos, Mexicali, Baja California
Fotografía: Fernanda De la Torre Jiménez

CLAYZIE parte de una idea sencilla: convertir la pintura en cerámica en un ritual para compartir. Más que un taller, el espacio propone una pausa donde el tiempo transcurre entre café, conversación y creatividad. La arquitectura debía convertirse en el escenario de esa experiencia.

El proyecto nace de observar la esencia del propio oficio. Las formas orgánicas de la cerámica inspiraron el lenguaje espacial, mientras que una paleta de colores vibrantes dio identidad a un lugar pensado para experimentar, crear y permanecer.

Cada elemento busca transmitir la libertad y la calidez del trabajo hecho a mano, entendiendo que el espacio también forma parte del proceso creativo.

Más que imponer un estilo, el diseño parte de la identidad de la marca. La intención fue construir un espacio capaz de expresar su personalidad y convertirla en una experiencia tangible para quien lo recorre.

La funcionalidad del taller, las áreas de trabajo y la cafetería se integran de forma natural para favorecer un ambiente relajado, donde la creatividad surge sin sentirse dirigida.

En nuestro despacho entendemos la arquitectura comercial como una herramienta para construir identidad. Cada proyecto responde a la esencia de la marca que representa, evitando soluciones genéricas o tendencias pasajeras.

En CLAYZIE, el diseño busca que el espacio sea tan reconocible como la experiencia misma: un lugar donde el color, las formas y la creatividad se convierten en parte del recuerdo de quienes lo visitan.

Instagram de Sucarrats-Lorenzo:

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Sucarrats-Lorenzo | Despacho de arquitectura e interiorismo (@sucarratslorenzo)

Como arquitecto y fotógrafo, me interesa mirar la arquitectura desde ese punto intermedio entre la construcción y la atmósfera. La cámara me permite detenerme en aquello que muchas veces pasa desapercibido: la forma en que la luz entra por una ventana se desliza sobre un muro, marca el paso del tiempo sobre una fachada o transforma por completo la percepción del espacio.

Una parte importante de mi trabajo la he desarrollado en los conventos novohispanos. Me atraen por que el tiempo parece transcurrir de otra manera entre sus muros. La piedra, los patios, los claustros y las bóvedas dialogan con una luz que cambia lentamente durante el día. Allí entendí que la arquitectura no solo se contempla: se descubre conforme la luz revela sus proporciones y sus silencios.

Esa misma búsqueda me ha llevado a fotografiar arquitectura contemporánea para distintas oficinas. A pesar de estar separados por siglos, un convento y un edificio actual comparten una condición esencial: ambos fueron concebidos para ser habitados por la luz. La fotografía se convierte entonces en un ejercicio de interpretación, no de simple documentación.

En los últimos años el espacio público también se ha convertido en un territorio de exploración. Me interesa registrar la arquitectura cuando deja de ser un objeto y comienza a formar parte de la vida cotidiana. Un edificio adquiere sentido cuando las personas lo recorren, lo apropian y lo transforman con su presencia.

En ese cruce entre arquitectura, luz y fotografía encuentro una forma de mirar el mundo: observar cómo los edificios cuentan historias, cómo el paisaje urbano se transforma a lo largo del día y cómo la luz, incluso en lo cotidiano, puede convertir un espacio en memoria.

Instagram

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Aldo Díaz | Fotógrafo de Arquitectura | CdMx (@adoodiaz)

Restauración e interiorismo contemporáneo dan nueva vida a un espacio cargado de historia en Mérida.

Ubicado en el corazón de Mérida, AGUILEÑO surge de la restauración y resignificación de una antigua casona porfiriana transformada en un restaurante experiencial, donde arquitectura, interiorismo y narrativa convergen para construir una atmósfera única.

El proyecto se inspira en la historia ficticia del General Augusto Aguileño, un personaje perteneciente a la élite del Porfiriato cuya caída da origen al concepto espacial. La casona se concibe como el vestigio de un esplendor perdido, suspendido entre la opulencia, el abandono y la memoria.

La intervención arquitectónica privilegia la conservación de la esencia histórica del inmueble, preservando las huellas del tiempo como parte de su identidad. Muros erosionados, texturas desgastadas, pátinas naturales y materiales originales se integran como un lenguaje que aporta autenticidad y profundidad.

Elementos como las arcadas monumentales, columnas ornamentadas, herrería, carpinterías de madera y pisos de pasta restaurados mantienen el protagonismo de la arquitectura original, permitiendo que el edificio conserve su carácter y su valor patrimonial.

El interiorismo reinterpreta la elegancia de las residencias porfirianas tropicales desde una visión contemporánea, generando un equilibrio entre sofisticación y decadencia. Maderas oscuras, mármoles de vetas marcadas, textiles aterciopelados, metales envejecidos y una paleta en tonos verdes, vinos y tierras cálidas construyen una atmósfera íntima y teatral.

La vegetación invade patios y espacios interiores, evocando una residencia detenida en el tiempo y estableciendo un diálogo constante entre naturaleza y arquitectura. Cada salón, corredor y patio desarrolla una identidad propia mediante candiles, cortinajes, murales y objetos cuidadosamente seleccionados que refuerzan la narrativa del proyecto.

Las nuevas intervenciones contemporáneas fueron integradas con discreción para convivir con la arquitectura histórica sin competir con ella. Esta estrategia permite que los elementos actuales complementen el inmueble original, respetando su esencia y fortaleciendo la experiencia espacial.

Más que un restaurante, AGUILEÑO propone una experiencia inmersiva donde restauración, interiorismo y ficción se unen para devolver vida a una casona histórica de Mérida desde una mirada contemporánea.

Instagram:

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por SegundoPiso (@segundopiso.arquitectura)

En una época donde la vivienda contemporánea busca responder a estilos de vida cada vez más dinámicos, este proyecto de NORIKER Arquitectos explora las posibilidades del espacio abierto como una herramienta para maximizar la calidad de vida dentro de una superficie contenida. Concebido para una pareja sin hijos, el loft plantea una reinterpretación actual del habitar, donde cada metro cuadrado adquiere valor a partir de su flexibilidad y capacidad de adaptación.

La propuesta se desarrolla bajo una planta completamente diáfana que integra las actividades cotidianas en un único ambiente continuo. Sala, comedor, cocina y área de descanso conviven sin barreras físicas, favoreciendo una lectura espacial amplia y una relación más fluida entre sus habitantes.

Lejos de depender de muros divisorios, la organización interior surge mediante la disposición estratégica del mobiliario, los cambios de iluminación y la transición entre materiales, generando límites sutiles que enriquecen la experiencia del espacio.

La altura interior se convierte en uno de los principales recursos del proyecto. Los techos elevados amplifican la percepción de amplitud y permiten que la luz natural, introducida a través de grandes ventanales, recorra libremente cada rincón de la vivienda.

Esta condición lumínica acentúa la honestidad material de la propuesta, donde concreto aparente, acero y madera conviven en equilibrio para construir una atmósfera sobria y atemporal.

Más allá de una solución funcional, el proyecto plantea una reflexión sobre las nuevas formas de habitar. La vivienda renuncia a lo superfluo para privilegiar la libertad espacial, la eficiencia y la conexión emocional con el entorno construido, demostrando que la amplitud no depende de la cantidad de metros cuadrados, sino de la inteligencia con la que estos son concebidos.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por NORIKER | Arquitectos León GTO (@noriker_arquitectos.sacv)

Las historias que habitan los objetos

Algunos objetos cumplen una función. Otros tienen la capacidad de contar historias. OTOT nace precisamente de esa convicción: que una pieza artesanal puede aportar belleza a un espacio, pero también transmitir el tiempo, la dedicación y el conocimiento de las manos que la crearon.

La historia de OTOT comenzó mucho antes de abrir sus puertas. Desde pequeña, su fundadora recorrió distintos rincones de México junto a su familia, descubriendo pueblos, talleres y mercados donde la artesanía formaba parte de la vida cotidiana. En cada viaje encontraba objetos que hablaban de una región, de una técnica y de una identidad cultural particular. Con el tiempo, esa admiración se transformó en una misión: crear un espacio capaz de acercar el trabajo artesanal mexicano a quienes valoran el diseño y los detalles que dan significado a los interiores.

Hoy, OTOT funciona como un punto de encuentro entre distintas expresiones del oficio mexicano. La tienda reúne piezas provenientes de diversos estados del país, seleccionadas no solo por su estética, sino también por la historia que representan. Los textiles llegan desde Oaxaca; el vidrio soplado es elaborado por artesanos de Hidalgo; las fibras, lámparas y mobiliario provienen de comunidades de Tabasco; mientras que la cerámica de alta temperatura es producida en Guanajuato. Cada objeto es resultado de procesos que requieren paciencia, experiencia y un profundo conocimiento de los materiales.

Detrás de cada pieza existe una cadena de trabajo que rara vez es visible para quien la observa terminada. Hay fibras recolectadas manualmente y preparadas durante días antes de ser tejidas; artesanos que moldean el vidrio mediante técnicas transmitidas por generaciones; ceramistas que pintan y hornean cada objeto cuidadosamente; y artistas que dedican horas a los detalles minuciosos de un alebrije o una obra pictórica. Son procesos que reflejan una forma de crear donde el tiempo sigue siendo un ingrediente fundamental.

Más que vender objetos decorativos, OTOT busca reivindicar el valor de la artesanía mexicana dentro de los espacios contemporáneos. Cada pieza tiene la capacidad de transformar un interior, no solo por su presencia visual, sino por la historia que incorpora al lugar. Cuando una persona integra uno de estos objetos

 Ubicación 

En una época marcada por la inmediatez y el movimiento constante, Interceramic invitó a sus clientes a hacer una pausa. A detenerse por un momento para disfrutar de la música, la convivencia y las experiencias que fortalecen los vínculos más allá del ámbito comercial. Bajo esta premisa nació Ritmo & Luz, una experiencia exclusiva realizada el pasado 16 de junio en Casa de Piedra, en León, Guanajuato.

El evento reunió a invitados especiales y clientes de la marca en una velada diseñada para estimular los sentidos y generar momentos memorables. La experiencia estuvo compuesta por dos etapas cuidadosamente curadas. La primera consistió en un concierto organizado en colaboración con Candlelight, que presentó un emotivo tributo a Juan Gabriel interpretado por un ensamble de cuerdas. Durante aproximadamente una hora, los asistentes disfrutaron de una atmósfera íntima en la que la música y la iluminación se convirtieron en protagonistas.

Al concluir el concierto, la experiencia continuó con una sorpresa preparada para los invitados. En un espacio posterior especialmente acondicionado, un DJ ofreció una sesión en vivo utilizando vinilos, mezclando música mexicana con propuestas contemporáneas, creando así un ambiente de celebración y descubrimiento.
Más que una activación de marca, Ritmo & Luz fue concebido como un gesto de agradecimiento hacia quienes han acompañado a Interceramic a lo largo de su trayectoria.

La velada también sirvió para recordar la historia y solidez de una de las marcas mexicanas más reconocidas en la industria. Con 47 años de presencia en el mercado, Interceramic ha construido su reputación a partir de la calidad de sus productos y de una filosofía centrada en la experiencia de sus clientes.

Con iniciativas como Ritmo & Luz, Interceramic reafirma su compromiso de crear espacios donde el diseño trasciende lo material para convertirse en una experiencia cultural y emocional. Una celebración de los sentidos que demuestra que, a veces, detenerse es la mejor manera de conectar.